L’anno spesso controverso della sua nascita è il 1928, quando, il 6 agosto, è nato Andrew Warhola a Pittsburgh, il più giovane dei quattro figli di Ondrej Warhola e Julia (la più antica, una ragazza, morta in tenera età), gli immigrati cecoslovacchi che avevano si stabilirono nella città della Pennsylvania. Sua madre, che ha vissuto con lui per molti anni, e anche collaborato su alcune delle sue opere, in maniera preminente nei ricordi d’infanzia di Warhol. Dopo la morte di suo padre, una miniera di carbone operaio nel 1942, i Warholas condotto un’esistenza di indigenza vicino. Nel 1945 Warhol entrato il Carnegie Institute of Technology, dove si è laureato in pittura e disegno e ha ricevuto una formazione artistica non convenzionale. Mentre a scuola, ha lavorato part-time come vetrinista per un certo numero di grandi magazzini, facendo i suoi primi contatti con quella che sarebbe diventata l’ambiente principale della sua attività, vale a dire il mondo dei consumi e della pubblicità. Nel 1948-49 ha presentato, come voce ufficiale al salone annuale degli Artisti Associati di Pittsburgh, la sua pittura The Broad mi ha dato il mio viso, ma posso scegliere il mio naso, che, dopo essere stato rifiutato dalla commissione di ammissione, finalmente è stato mostrato in uno spazio espositivo alternativo. Anche da ragazzo, Warhol era stato incuriosito dalla possibilità di cambiare la sua identità, e che il lavoro, nonostante l’umorismo evidente del titolo, era la prova di quanto profondamente insoddisfatto era con il suo aspetto. (Nel 1950 Warhol cominciò a indossare il primo del suo marchio di fabbrica parrucche, e, nel 1957, ha deciso di sottoporsi a chirurgia plastica.) Nell’estate del 1949, dopo la laurea presso il Carnegie Institute of Technology, Warhol ha lasciato Pittsburgh a New York in compagnia del suo amico, il pittore Philip Pearlstein. La mossa ha segnato il punto di partenza di un’esistenza del tutto nuova: Andrew Warhola morto e dalle sue ceneri Andy Warhol rosa. A New York, ha lavorato come free-lance per grafico pubblicitario ben noti riviste come Glamour, Vogue, The New Yorker e Harper Bazaar, per i negozi al dettaglio come Tiffany & Co., Bergdorf Goodman, e Bonwit Teller, e , in particolare, per la scarpa società I. Miller. Così egli ha realizzato un lungo ambita sicurezza finanziaria. Il suo lavoro ha cominciato a ottenere un certo riconoscimento, e nel 1952 la sua prima mostra personale, “Andy Warhol: quindici disegni basato sugli scritti di Truman Capote,” si è tenuta in una galleria d’arte a Manhattan. Questo evento ha segnato l’inizio di una serie innumerevole di premi, ea poco a poco il suo sogno ha cominciato a diventare realtà. Dopo aver ottenuto una formidabile reputazione nel mondo della pubblicità come illustratore, Warhol nel 1960, si è impegnata a cambiare la sua identità professionale da quella di artista commerciale praticante di belle arti. Tra i suoi primi sforzi al suo ritorno alla pittura sono opere ad olio con i personaggi dei fumetti come loro tema. Con sua grande sorpresa, nel 1961 ha scoperto che un altro giovane artista, Roy Lichtenstein, aveva lavorato sulla stessa idea, con risultati di maggior successo. Warhol rapidamente abbandonato i suoi dipinti-fumetto. Così come l’uscita di Warhol come illustratore alla fine avrebbe infiltrato l’arte del avant-garde-con la quale, a differenza della media artista grafico, era molto familiare, i suoi dipinti sono stati profondamente influenzati da tali tecniche commerciali come la produzione di massa. Nel 1961, cinque dei suoi dipinti erano appesi dei cartoni animati come una sorta di fondale in una vetrina al negozio Bonwit Teller reparto. L’anno successivo ha visto la nascita di alcuni dei temi più noti di Warhol: la Campbell Soup Cans e catastrofico, così come i ritratti di Elvis Presley e Marilyn Monroe, che ha segnato l’inizio della sua sperimentazione con tecniche di serigrafia. Allo stesso tempo, Warhol stava sviluppando un crescente interesse per i film, e nel 1963, l’anno di Sleep-si cimenta in un film. Per Warhol, l’interesse principale del cinema, oltre che della fotografia, giaceva nella sua immediatezza. Inoltre, entrambe le tecniche necessario solo un minimo intervento da parte dell’artista: il vero lavoro è stato fatto dalla fotocamera e il soggetto. Nel 1963, Warhol trasferito il suo studio a 231 East 47th Street, in quella che sarebbe presto diventato noto come la Fabbrica. Metamorfosi di Warhol, e il suo significato per la storia dell’arte, è stato spettacolare: da individuo artista indipendente a capo di una fabbrica d’arte che i colleghi che sono stati in grado di sfornare opere come da una catena di montaggio. “Il motivo per cui sto dipingendo in questo modo”, ha detto una volta, “è che voglio essere una macchina.” Aiutato dai suoi assistenti e collaboratori, Warhol cominciò a raccogliere attorno a sé una sorta di Rinascimento tribunale che gli ha permesso di mantenere l’alto rendimento necessario per le sue esigenze finanziarie. Tuttavia è sempre rimasto aperto a suggerimenti esterni. Più che un luogo di lavoro semplice, la fabbrica è stata trasformata da teatrale Nome lighting designer Billy in una sorta di onnicomprensivo mondo fantastico di un foglio di alluminio e vernice argento metallizzato. Questo posto veramente incredibile è stata visitata da tutti i modi di persone, da studenti e giovani artisti ad attori, rockstar, e travestiti, e presto la fabbrica è diventata uno dei luoghi più trendy di raccolta per il pubblico “in” e il centro di cultura di New York universo. L’anno 1966 ha segnato l’inizio della sua stretta collaborazione con il gruppo musicale The Velvet Underground, come i due in scena multimediale “happenings” a New York e in California. Due anni più tardi, le femministe radicali Valerie Solanas girato l’artista in un tentativo di assassinio. Gravemente ferito dal colpo di pistola, che rimbalzò nel suo corpo, Warhol ha trascorso quasi due mesi in ospedale. Dopo il 1960 l’uscita di Warhol alle stelle con frequenti incursioni praticamente in ogni campo artistico. Ben presto la sua celebrità proprio ha iniziato ad eclissare quella dei suoi soggetti dei ritratti, mentre viaggiava in compagnia di mondanità, stelle del cinema e stelle rock-and-roll. Opera di Warhol dal 1970 e 1980 era di natura molto più pittorico di prima, la sua pennellata era diventata più espressivo e visivamente più complessi, l’aggiunta di una certa vitalità alla freddezza del mezzo serigrafia. La sua carriera sperimentato una grande colpo di scena finale mentre si girava verso le opere più astratte di tutta la sua produzione con la serie come i suoi dipinti di ossidazione, Ombre, Quadri, uova e thread. Il 22 febbraio 1987, in seguito alla rimozione chirurgica della sua cistifellea, Warhol è morto in un ospedale di New York. La sua morte segnò la fine non solo di un grande artista, ma di un’epoca. Il funerale si è svolto nella dell’artista nativo di Pittsburgh. Andy Warhol è stato chiamato uno specchio della sua età. E in effetti, l’opera di Warhol – dal suo primo lavoro grafico per la sua esaltazione di tali elementi comuni come lattine di Campbell Soup per la sua celebrità per i suoi sette ore di pellicola lungo l’Empire State Building – riflette da vicino l’America del suo tempo. Per i critici dell’artista, la sua opera costituisce il paradigma per eccellenza della frivolezza e banalità di quel periodo. A dire il vero, Warhol intenzionalmente coltivato un’immagine un po ‘banale, uno che ha rinforzato: “Se vuoi sapere tutto di Andy Warhol basta guardare la superficie: dei miei quadri e film e me, e io sono Non c’è niente dietro. . ” Eppure, pochi artisti hanno avuto un maggiore impatto sul mondo dell’arte, e ancora meno hanno mai raggiunto il tipo di celebrità personale che Warhol goduto. Infatti, Andy Warhol può essere visto come la perfetta incarnazione del sogno americano, il self-made man che supera con successo l’educazione impoverito per diventare un milionario. Warhol personifica un nuovo tipo di stella, in una sola volta creatore, produttore, attore, e – uomo d’affari brillante – ultimo ma non meno importante. Infatti, per Warhol, “Essere bravi negli affari è la forma d’arte più affascinante”, secondo un altro dei suoi famosi aforismi. Andy Warhol quasi da solo modernizzato la nostra tradizione estetica. Per quanto riguarda entrambi i temi e medium sono interessati, Warhol è stato all’origine, o almeno è diventato il simbolo di una trasformazione epocale nella pittura contemporanea. Anche senza quasi mai ricorrere a ready-made, lui ha effettivamente firmare alcuni barattoli di zuppa Campbell – Warhol contestata, più di ogni altro artista pop, le convenzioni tradizionali riguardanti l’unicità, l’autenticità e la paternità dell’opera d’arte. Ha completato il processo di dissoluzione della pittura da cavalletto che era stato iniziato da espressionisti astratti, la cui rottura con la tradizione era certamente non così radicale come Warhol. A differenza di artisti idealisti come Jackson Pollock, Franz Kline, Mark Rothko, o Barnett Newman, che aveva una profonda venerazione per il mondo interiore della coscienza, Warhol era ossessionato dalla concretezza, il mondo materiale, che è visibile e tangibile degli oggetti. Oltre la sua attività di artista, l’audacia di Warhol e provocazione sono stati tratti evidenti della sua vita personale, nonché: il suo aspetto e il comportamento non mancava mai di scontrarsi drasticamente con l’immagine di mascolinità che i suoi predecessori avevano curata e promossa. Inoltre, a differenza di loro, Warhol consapevolmente tentato di correggere, per così dire, gli universali dell’espressionismo astratto e di “ri-americanizzare” l’arte degli Stati Uniti. In realtà, come il fenomeno della Pop Art in sé, i temi del suo lavoro erano sempre accuratamente americano. Artisti pop non è mai formato un movimento coerente, né di emettere man-Ifestos o comuni annunci formali, e nonostante la loro passione comune per le immagini popolari e una predilezione condivisa per commerciali tecniche artistiche, i loro rispettivi stili erano del tutto distinte e inconfondibile. Se si guarda alla pittura Pop, ci si accorge subito che i suoi temi sono quasi, se mai, originale, non sono il prodotto, cioè, di immaginazione creativa dell’artista. Non è più un creatore originale, l’artista pop osserva semplicemente e seleziona. La Pop Art è una forma di pirateria artistica, per così dire. Le sue scelte tematiche si basano su un repertorio di immagini elaborate in precedenza: non è una ragazza dal vivo, ma una pinup da una rivista, non una lattina vera o un pacchetto, ma l’annuncio stampato per una lattina o un pacchetto. Sulla base gli stessi simboli e temi, Warhol bypassato completamente ogni tipo di imballaggio pittorico: invece di presentare merci come tema sublimato, lo rese con il trucco stesso grezzo e esatto della pubblicità, invece di usare la sua forza espressiva e creativa, ha ha offerto una riproduzione semplice, invece di uno stile personale, ha fatto ricorso al processo impersonale di stampa. Warhol obiettivo era quello di colmare il divario tra artisti d’avanguardia e il pubblico. La gente comune, non l’elite intellettuale, sono i destinatari del suo lavoro. La Pop Art è stato pensato per tutti, non solo per pochi eletti. Warhol ha voluto porre fine allo stereotipo dell’artista in una torre d’avorio, ha scelto invece di scendere in piazza, esporre la sua opera nelle vetrine dei negozi, e appropriato dei prodotti più tipici di consumo di massa. Di qui la familiarità della sua arte, come l’arte Pop nella sua formulazione originaria, tenta di reagire contro gli spettatori elite che avevano cercato di imporre una forma unica di arte e un tipo di risposta ad esso, ad esclusione di tutti gli altri. In alcuni casi, tuttavia, la risposta dello spettatore può essere diverso da quello destinato Warhol, poiché il laico non è sempre probabile cogliere il valore della sua opera. Una delle caratteristiche principali del lavoro dell’artista Pop è la sua caducità: non appena i suoi temi non sono più riconoscibili per i posteri, il suo interesse sarà per la maggior parte scompaiono. La novità e l’originalità dell’arte di Warhol è saldamente radicata nella scelta dei contenuti pittorici, che, per le future generazioni di spettatori, è destinata a perdere il suo senso primitivo di dissacrazione radicale dei miti tradizionali. Il suo atteggiamento trasgressivo nonostante, Warhol è riuscito a guadagnare un’ampia accettazione e, verso la fine della sua carriera, come Benjamin HD Buchloh ha suggerito, era apparentemente riuscito a conciliare “i due poli della dialettica modernista, i grandi magazzini e il museo.” (In effetti, una volta Warhol ha sostenuto che “i grandi magazzini sono una specie di musei come.”) Nel 1986, mentre le sue opere in importanti collezioni appese a fianco grandi capolavori del passato, l’artista ha offerto un ritratto seduta in vendita a 35.000 dollari nel numero di Natale di Neiman-Marcus per corrispondenza catalogo. Come re Mida, Warhol sembra aver avuto il potere di trasformare in oro tutto ciò che toccava. Anche l’oggetto più insignificante, banale, ed economico potrebbe essere trasformato in un’opera d’arte. Nei tempi moderni, l’umanità in generale, e in particolare gli artisti sembrano essere stati assorbiti dal mondo esterno, spingendo il mondo interiore del sé in secondo piano. La società contemporanea sembra affascinato da esattamente questo tipo di artista cinico e trasgressivo glorificato dai media. Sembra che ci sia un culto diffuso accordato per l’artista come uomo d’affari e l’uomo d’affari come artista che è in grado di equiparare il consumismo con una forma di egualitarismo: La cosa fantastica di questo paese è che l’America ha iniziato la tradizione in cui i più ricchi consumatori acquistano essenzialmente le stesse cose del più povero. È possibile guardare la TV e vedere Coca-Cola, e si può sapere che il Presidente beve Coca Cola, Liz Taylor beve Coca-Cola, e basti pensare, si può bere Coca Cola troppo. Una Coca-Cola è una Coca e nessuna somma di denaro si può ottenere una Coca migliore di quella che il barbone all’angolo sta bevendo. Tutte le Cokes sono uguali e tutti i Cokes sono buone. Liz Taylor lo sa, il Presidente lo sa, il barbone lo sa, e tu lo sai. ”
